Opere della collezione

Per lungo tempo le Alpi sono state raffigurate in modo eccessivo, carico di pathos o in modo idilliaco, o riprodotte in modo assolutamente naturalistico. La raffigurazione che ne dà Ferdinand Hodler (1853-1918) in «Genfersee mit Savoyerbergen» rompe con questa tradizione. Il quadro è definito da un'austera frontalità senza effetto di profondità graduato e si contraddistingue per una rappresentazione piatta e non sentimentale. Mancano assolutamente dettagli e rimandi alla civilizzazione. La gamma di colori è discretamente fredda e il quadro è composto in definitiva da quattro fasce di verde-blu orizzontali. Il carattere austero e astratto di questa rappresentazione paesaggistica rimanda alla natura come a qualcosa di monumentale ed eterno.

Giovanni Segantini (1858-1899) è considerato il rinnovatore della pittura alpina. Superò gli eccessi pa­tetici e la trasfigurazione idealistica della natura nell'arte. Nel 1886 Segantini, che era di ori­gini italiane, si trasferì nei Grigioni, dapprima a Savognin, poi a Maloja. L'esperienza del mondo alpino con la sua luce intensa gli ispirò una nuova concezione della pittura. Accostò i colori puri in tratti di pennello sottili e pastosi, talmente fitti e paralleli che i singoli colori si univano a formare colori composti solo agli occhi dell'osservatore (divisionismo). Segantini è inoltre considerato uno dei maggiori simbolisti della «fin de siècle».

I ritratti di Alberto Giacometti (1901-1966) si contraddistinguono per l'incontro immediato tra la persona e i tratti intensi della personalità di chi viene ritratto. Dopo lunghi studi preliminari sotto forma di disegni e tentativi di modellare, negli anni 50 Alberto Giacometti trova uno stile plastico che appiattisce le figure di profilo e le allunga a dismisura in altezza. Lo sguardo dell'osservatore in questo modo e anche grazie alla superficie volutamente non liscia viene indotto a essere in ogni momento intensa parte visiva della scultura, da dove emerge il suo essere più profondo. Tra gli altri, gli fecero spesso da modelli suo fratello Diego, i suoi amici parigini e sua moglie Annette.

Albert Müller (1897-1926), un esponente del gruppo «Rot-Blau», raffigura sua moglie Anna Hübscher come una detenuta: attraverso le forti linee diagonali che pervadono il quadro ottiene una struttura rigida in cui il suo corpo è costretto. I colori violenti, prevalentemente blu, rosso e il colore complementare verde, con gli angoli acuti che caratterizzano le forme contribuiscono a trasmettere il disagio che pervade l'ambiente e rispecchiano lo stato interiore, di depressione della donna. Anche la finestra sulla destra non dà su un futuro migliore. Chiusa in se stessa, con il volto inespressivo e le mani abbandonate in grembo, Anna sembra rassegnarsi al suo destino. Scevro da ogni sentimentalismo, Albert Müller prende atto del fatto che sua moglie soffre di esaurimenti: morirà di tifo nel 1927, poco dopo la morte di Müller stesso.

Quale rappresentante principale del figurativismo fantastico, fino alla metà degli anni 70 HR Giger (*1940) ha assunto una delle posizioni più anticonformiste del panorama artistico sviz­zero. Egli ha tematizzato i traumi della nascita e le fobie claustrofobiche, l'erotismo, ma anche la tortura e la morte con precisione oggettiva e naturalistica in una tonalità monocromatica. Con oggetti quotidiani come una semplice vasca da bagno, Giger evoca il terrore. D'altro lato, ha riconosciuto nell'attività dei netturbini un «atto meccanico-erotico». Con l'isolamento del soggetto e la concentrazione sull'inquietante abisso, egli crea delle visioni da incubo.

Pascale Wiedemann (*1966) si serve dei suoi vestiti preferiti che ricopre con una resina artificiale per riflettere se stessa con ironia e sensibilità. Se l'autoritratto tradizionale è una riproduzione figurativa dell'artista, Pascale Wiedemann prende i suoi vestiti per caratterizzarsi, poiché i vestiti sono come una seconda pelle e molto legati con il modo di fare e di essere della persona. Vengono visti come espressione dell'identità e ne rispecchiano lo stato personale (d'animo) e la creatività. La maglietta, la gonna, hanno una storia che è al contempo la storia di colei che le indossa, che nel lavoro «Selbstportrait» viene accuratamente documentata e sigillata.

Nella serie Delete di Zilla Leutenegger (*1968) compaiono donne minute intente a svolgere il loro lavoro quotidiano: pulire, passare l'aspirapolvere, stirare, e, nel caso di «Delete 5», esposto al Museo d'arte dei Grigioni, battere tappeti. La piccola, diligente figura femminile pare un disegno animato, ma si basa su una sequenza video che è stata adeguatamente elaborata. Sembra che con l'incessante battere della figura proiettata venga battuto il colore rosa della parete espositiva. Il cerchio bianco e pulito rappresenta così il punto di contatto stimolante fra spazio reale e immagine immateriale.